Up - Animación desde otro punto de vista

Nunca unos globos de colores dieron tanto de sí…

¡Que película tan maravillosa! De entrada esto es lo único que se me ocurre decir de UP. Vale que me gusta la animación, y que por lo general me gustan las películas de este tipo (salvo que sean un petardazo) pero esta…me ha tocado el corazón (sé que es cursi, pero así es).

Ya en el minuto quince, por no decir antes, estoy lloriqueando. Durante este tiempo de película, sin apenas palabras me han contado una preciosa historia de amor. Como una película muda, sólo a base de imágenes y música, me ha calado lo que otras muchos films no han conseguido. Y es que la dulzura, la alegría y la felicidad que destilan los primeros minutos de UP son tan intensos que no creo que puedan dejar a nadie indiferente.



La peli nos narra la historia de un entrañable abuelito, Carl Fredricksen, que harto de todo, y por amor, decide lanzarse a la aventura que lleva posponiendo toda su vida. Por su parte Russell, un niño regordete e inocente, se ve embarcado sin quererlo en un viaje que ni por asomo habría planeado con su grupo de exploradores de la tribu 54, tienda 12. Lo que iba a ser un tranquilo viaje de retiro para el Sr. Fredricksen se transforma de repente en una aventura de exploradores, que además de ponerle el punto de emoción a la historia hacen mella en nuestros protagonistas, obrando en ellos grandes cambios.

UP tiene un trabajo técnico impecable, llegaría a decir que espectacular. Me ha parecido que está muy muy bien hecha, tanto en planos generales de paisajes, como en los gestos de los protagonistas, que están perfectamente marcados y añaden gran intensidad a la historia que nos cuentan. Además me han parecido tremendamente expresivos los ojos de Carl Fredricksen, capaces de transmitir al espectador las emociones que siente el protagonista en ciertos momentos de la película.

En cuanto a la trama, la película me ha gustado mucho, aunque al final se les ha ido un poco la mano. No me parece que destrocen la historia, pero la película pierde mucho cuando empieza la trama de los perros parlanchines. Lo que era una historia de aventuras tranquilas, pero aventuras, se transforma en una especie de “Beethoven, uno más en la familia” de golpe, como si de repente sobraran minutos de film que hay que rellenar con lo que sea…Aún así, se lo perdono, los primeros minutos siguen haciendo mella en mí…

Por otra parte quiero comentar que creo que quien piense que ésta es una película para niños está muy confundido. Animación y Dinsey (ésta es Disney-Pixar) no son sinónimo de película para niños. De hecho creo que el público infantil no aprecia UP en todas sus dimensiones. Puede que un niño sea capaz de entender que el Sr. Fredricksen habla con Ellie, pero no creo que comprenda que el amor que existía entre ellos sea la causa de emprender el viaje. Ni tampoco creo que comprendan porqué cambia de repente el parecer del protagonista en cuanto a Kevin al final…O puede que me equivoque y subestime a los niños…

En cualquier caso os recomiendo que veáis UP, aunque sólo sea para despejar mi duda de si Kevin es él, o ella…

Héroes de papel – Watchmen

Una de cal y otra de arena. Si la semana pasada tocaba destripar un bodrio como “Vengador”, hoy toca loar las excelencias de Watchem. Como dije ya en mi última crítica, para mí la fidelidad al original es un elemento muy importante a la hora de juzgar las adaptaciones que se hacen al cine de obras del noveno arte y, en ese sentido, Watchmen se lleva la palma.

Huelga decir que con esta crítica voy en contra de nuestro compadre Rudu, que le dedicó a la cinta un post en su controvertida sección “ni a tu peor enemigo”. Ya en aquel momento hice un extenso comentario, donde califiqué la cinta de muy buena película, y ahora me reafirmo, punto por punto, y me explayo.


Para quien no lo sepa, Watchmen es una de las grandes obras maestras del cómic, firmada por Alan Moore (guion) y Dave Gibbons (dibujo) y publicada por DC cómics durante los años 1986 y 1987. Una obra cruda, compleja y desgarradora, fiel retrato del desencanto y, si me apuráis, del más autentico terror que caracterizó a los primeros ochenta, con un mundo a punto de irse al carajo por un holocausto nuclear ocasionado por una guerra entre las dos grandes superpotencias, los EEUU y la URSS, que se adivinaba en aquellos momentos inminente. Además, la novela gráfica, distribuida en doce entregas, aborda el género de los superhéroes con un estilo hiperrealista (con personajes la mayor parte de ellos sin superpoderes) y que en buena parte se adelantó a su época, con unos caracteres (El Comediante, Rorschach, Búho Nocturno, Espectro de Seda, Dr. Manhattan y Ozymandias), llenos de profundidad, de dobleces y imperfecciones, y con una personalidad de lo más compleja.

A grandes rasgos el argumento se desarrolla de la siguiente manera: en un mundo en que después de una larga temporada de éxitos, los superhéroes fueron prohibidos, mediante la llamada “Acta de Keene”, que prohíbe las actividades de los héroes, se produce un misterioso asesinato, el del Comediante, y otro de los vigilantes, Rorscharch, creyendo que el asesinato forma parte de una conspiración para eliminarlos, decide investigar el caso, buscando para ello la colaboración de sus antiguos compañeros.

La película, dirigida por Zack Snyder (autor también de 300), pese a algunas variaciones, como el final (un final que, por otra parte, no desmerece en nada al original), resulta ser una fiel adaptación, quizás la más fiel que he visto nunca en cuanto al género se refiere, con multitud de planos que son calcados a viñetas del cómic, con multitud de diálogos que se han reproducido de forma original, y manteniendo algunas escenas que, por su crudeza o su tono políticamente incorrecto, por sus dosis de sexo o de violencia, hubiera sido seguramente más fácil ahorrarse. En definitiva, una película que, en su conjunto, muestra un gran respeto por la esencia del original.

En este sentido, es cierto que la película se ha criticado por aspectos como su falta de ritmo, por ser demasiado dispersa y por su excesiva duración. No estoy de acuerdo con ninguno de estos puntos. La reflexión que me viene a la cabeza, en este sentido, es que quizás no era una película demasiado apta para un público no iniciado, ya que para disfrutarla por entero era bastante básico haberse leído antes el cómic. Supongo que el evitar cometer este “pecado” y, por el contrario, el intento de conseguir el éxito entre nuevo público es el que hace que, a menudo, las adaptaciones de héroes de papel al cine acaben decepcionando a aquellos que como yo, siendo frikis del cómic, buscamos ver algo lo más fiel al original posible.

Personalmente, una de las cosas que más me gustaron, además de la estética, la atmosfera y el impacto visual, así como los constantes guiños al cómic, fue la banda sonora y la manera como está introducida en la película, con temas de lo más logrados. En este sentido, se pueden destacar escenas como la del funeral del Comediante, con el Sounds of Silence de Simon and Garfunkel, la del Napalm en Vietnam (en la trama, rayos del Dr. Manhatan) con el All Along The Watchtower de Jimi Hendrix o como la escena de sexo entre el Buho y Espectro de Seda, con gatillazo inicial y posterior resarcimiento por parte del primero, con el Hallelujah de Leonard Cohen de fondo. Pero si me tengo que quedar con alguna, como seguramente mucha gente, me quedo con la intro, en la que, mientras aparecen los títulos de crédito, al tiempo que suena el The Times They Are Changing de Bob Dylan, se van sucediendo escenas que te ponen en contexto y te resumen la historia de la primera generación de Minutemen. ¡Sencillamente impresionante!


En fin, se trata, a mi parecer, de una muy buena peli, quizás no de 10, si piensas en ella en términos exclusivamente cinéfilos, pero si una muy buena adaptación de una auténtica obra maestra de los cómics. El resultado tiene más mérito aún, si se tiene en cuenta que Watchmen a menudo se había considerado como imposible de trasladar a la gran pantalla, por su gran complejidad, incluso por parte del propio Alan Moore.

El discurso del rey

Esta semana me pongo a los mandos de una crítica a par, y no precisamente con una película cualquiera, sino con la ganadora del Óscar 2011 a la mejor película (entre otros): El discurso del rey.

Para mí es, sobre todo, una historia de superación. La historia de cómo el pobre Bertie se supera a sí mismo y toda la serie de adversidades que van sucediendo a su alrededor y que le van salpicando. La historia de cómo una persona supera sus temores y se enfrenta a ellos, aunque para ello haya que retroceder a hechos del pasado algo…desagradables.

Pero no sólo de superación va la cosa, también de amistad. De cómo un miembro de la familia real se hace amigo de un plebeyo al que contrata para superar un problema del lenguaje y encuentra en él algo que nunca fue capaz de encontrar en su mundo de lujos: amistad.

La verdad que la película me ha gustado mucho. Desde la banda sonora a los planos del director que nos hacen ver los objetos causantes del terror de Bertie: Los micrófonos. Otra cosa que me ha dejado muy buen sabor de boca es el juego que se hace con Bertie y Logue, o más bien con sus personalidades contrapuestas. El siempre serio y responsable Duque de York con el divertido y a veces caradura Lionel Logue.

Por último quiero destacar el papelazo que hace Colin Firth en la película. Me ha impresionado como se ha metido en el personaje, consiguiendo que sintamos la angustia del protagonista cuando tiene que hablar y se traba, su frustración por no ser lo que los demás (especialmente su padre) quieren que sea. Su vergüenza en los actos públicos por su tartamudeo…Ha conseguido ponerme en tensión en la butaca esperando que de esa boca de la que solo salían ruidos inconexos saliera una palabra o una sílaba.

Como he dicho anteriormente me ha gustado, y creo que habría que verla aunque sólo sea por la interpretación de los actores.

Monis
Puntuación 7,5.

El triunfo de la superación y la constancia.

Hacía muchísimo tiempo (desde Navidad, parece que haga un siglo), que tenía pendiente este discurso y por fin la semana pasada encontré un momento para ir a verlo. Para empezar tengo que decir que es una gran película y que, ante todo, es un excelente trabajo de actores. Aún así me dejó un cierto regusto amargo, quizá por las circunstancias: si se había llevado el Oscar teniendo a Black Swan como rival, tenía que ser una peli de once. Y es muy buena, buenísima, pero no es de once, de ahí mi pequeña desilusión.

El argumento de la película es de sobras conocido, Alberto Federico Arturo Jorge de Windsor, Príncipe de York, segundo hijo del Rey de Inglaterra, tiene un pequeño problema de habla que le impide desempeñar sus obligaciones con soltura. Durante años ha contratado doctores diferentes y probado terapias de lo más absurdas que, obviamente, no le han servido de nada. Casi perdida la esperanza, su tenaz mujer acude a Lionel Logue, experto en problemas de habla, que empezará a tratar al futuro Rey con unos métodos un tanto curiosos y chocantes para la sociedad de la época y, por supuesto, para el protocolo real, pero que poco a poco dará su fruto. A través de sus progresos y sus tropiezos, avanza la historia de este personaje que después de la abdicación de su hermano se convertirá en el Rey George VI.

La historia del Rey es una historia de superación, de demostrar que casi todo, con la ayuda adecuada y el tesón suficiente, se puede superar y que no hay que tener tabús a la hora de reconocer un problema. En ese sentido podríamos decir que es el opuesto absoluto a Black Swan y quizás por eso, por ser una historia más amable, convenció a la siempre conservadora academia por encima de su competidora.

Pero, como he dicho antes, esta película es sobretodo y ante todo un alarde de talento por parte de sus intérpretes. Colin Firth borda su papel, es un perfecto príncipe superado por las circunstancias y desesperado por la incapacidad de superar su problema y es un estupendo Rey Jorge, estandarte de la resistencia en la 2ª Guerra Mundial. Él se llevó el premio, pero ahora me falta entender porqué Helena Bonham Carter, impresionante en su papel de Duquesa de York, no. Y por supuesto, porqué un inconmensurable Geoffrey Rush también se quedó a las puertas de un Oscar que yo hubiera jurado que llevaba su nombre. Para averiguarlo tendré que ver “The Fighter” (que para qué negarlo, no me apetece nada) y comprobar que realmente Christian Bale y Melissa fueron mejores (sobretodo tengo dudas con ella).

Os emplazo a la crítica de la semana que viene para que lo descubráis conmigo (si no lo sabéis ya).

Puntuación 8,4
Reichel

Descubrimientos inesperados: The Straight Story (Una historia verdadera)

Sí señor, recupero esta sección, largo tiempo abandonada, con esta película de David Lynch. Para ser sincera, nunca, jamás, pensé que una película de Lynch me gustaría y ahora voy a tener que admitir que, efectivamente, éste señor sabe hacerlo bien. Lo que no entiendo es porqué no lo hace más a menudo.

Alvin es un anciano de Iwoa que vive con su hija Rose (cuya historia también es digna de ser contada, por cierto) y que decide emprender un viaje épico para visitar a su hermano, con el que no habla desde el 7 de julio de 1988, después de saber que ha padecido un ataque al corazón. Tiene 73 años, apenas puede andar, ha perdido vista y tiene múltiples achaques. La cercanía de la muerte, tanto la de su hermano como la suya propia, le hace valorar lo que es realmente importante y decide ir, por sus propios medios, que son bastante limitados, a visitar a su hermano y a reconciliarse con él. Así pues, sale de su pueblo, con destino a Wisconsin, a bordo de nada menos que un cortacésped. En este viaje de peregrinaje con toques de penitencia, encuentra diferentes personas que quedan sorprendidas de su hazaña, que le ayudan y que aprenden de él lecciones importantes para sus vidas. Es impagable el diálogo que mantiene con la adolescente embarazada y la metáfora que utiliza para enseñarle el valor de la familia, valor que él mismo está dispuesto a recuperar.

También tiene algún toque “Lynch” como la historia de los ciervos suicidas, momento en que Alvin se encuentra en la carretera a una señora que cada semana atropella por lo menos a un ciervo y acaba él mismo comiendo ciervo asado rodeado de congéneres del susodicho. Pero si no es por esto, todo lo demás haría pensar en cualquier otro director excepto en él.

Todo ello acompañado por una música de lo más adecuada y unos paisajes y planos aéreos de prados interminables y carreteras sin fin, que crean una atmósfera impresionante para esta historia que, por sí sola, ya lo es, sobretodo porque pasó realmente.

Así pues aquí tenéis una historia tan verdadera como deliciosa, una belleza de principio a fin, que seguro disfrutaréis, si no lo habéis hecho ya.

El Americano - Critica Express

Hoy me dispongo ha hacer una crítica rápida de “El Americano” , película del 2010 protagonizada por ese actor con el que muchos me confunden, George Cloney.

Bueno bromas a parte, y en lineas generales, la cinta esta bien, se deja ver y como entretenimiento sirve más que de sobra, pero poco más, no creo que perdure demasiado en la memoria de nadie, ya que no destaca por nada especialmente y eso que a los 5 minutos de película parecia que podia ser aún más interesante (a mi gusto) e inesperada de lo que al final es.

La trama (Ojo que me da que contiene algún que otro spoiler), no es que sea complicada, ni mucho menos, pero he tenido que pensarla más de lo normal en estos casos, porque la verdad que no tenia muy claro exactamente a que se dedicaba nuestro amigo Clooney, creia que era un asesino a sueldo pero por lo visto es algo más, le podriamos llamar un mercenario del crimen, porque lo mismo te mata a una persona que te fabrica un arma con piezas de coche. Bueno a lo que iba que me lio, la trama va de este “mercenario” al que le encargan un trabajito en Italia despues de que al parecer su ultimo trabajo no saliera bien (debio ser en Suecia, porque siempre le perseguian y encontraban los suecos).
Durante esta misión, la cual acaba siendo la última según le comunica a su contacto, entabla amistad con un cura y una meretriz de la que a la postre acabará enamorandose.

Y poco más que decir, alguna persecución nocturna, unos paisajitos en el rio, pocas palabras, bastantes paseos nocturnos con sensación de sentirse observado y para de contar, pero bueno como he dicho al principio podemos decir que es interesante y para mi gusto aprovaria, raspadito, pero aprovaria.

Héroes de papel – The Punisher (Vengador)

Como decíamos en el anterior post de esta sección, Batman de Tim Burton rescató al género de las adaptaciones de personajes del noveno arte de las producciones de serie B y bajo presupuesto en que se encontraba. Pues bien, aquí va un buen ejemplo de lo que tratábamos de decir: la primera adaptación a la gran pantalla del personaje de The Punisher (Vengador).


Curiosamente, la película es del mismo año que Batman, del 1989. Francamente, yo no lo recordaba así. Quizás porqué una tardó en estrenarse en España más que la otra o, más probablemente, porque mientras que una, Batman, renovó i sentó unas bases nuevas para el género, la otra, The Punisher, además que desprendía un cierto tufillo a serie B, seguía una estética y unos parámetros más propios de los ochenta, con escenas de acción con tiros, persecuciones y explosiones por doquier.

La peli es francamente mala y además se aleja bastante de los planteamientos de los cómics. La trama no tiene nada que ver con ellos cosa que, como iréis viendo en las sucesivas entregas de esta sección, es un factor realmente importante para un “friki”, comiquero empedernido como yo.

Para empezar, la primera en la frente: en la película el personaje no lleva la calavera blanca pintada en la camiseta que tan característica ha hecho su imagen. En su época, en el mundillo, se hablaba que fue por un tema de censura, a saber… La misma razón se aludía cuando se comentaba la película por aquel entonces, para el hecho que en su estreno en España se rebautizara como “Vengador”. Se decía, medio en broma medio en serio, que eso del Castigador “quedaba muy porno”. En fin.

Respecto a la historia, poca cosa que decir, ya que el guión deja mucho que desear. En la cinta Frank Castle es un expoli al que la mafia le asesinó a la familia, y por eso emprende su cruzada de venganza, eliminando mafiosos, mientras vive escondido en las alcantarillas. El devenir de los acontecimientos le llevará a enfrentarse a un tipo de mafia nueva, más peligrosa, la yakuza japonesa, para lo que tendrá que unir fuerzas con un mafioso local, al que le han secuestrado a su hijo.

Pero es que además la peli, en cuanto a su realización, es mala de solemnidad, cutre. Recordáis aquella escena de airbag, en la que en un televisor se ve un típico culebrón sudamericano, que incluye un cameo de Javier Bardem, y donde se ve puede ver la “jirafa”, pues en Vengador encontraréis también este tipo de errores, pero sin que sea de broma.

Respecto a los actores, baste decir que el protagonista, que encarna a la figura de Frank Castle, es Dolph Lundgren. Un actor con grandes limitaciones, de lo más inexpresivo (tipo Jean-Claude Van Damme,) que para malo maloso en la cuarta de Rocki vale, pero para poco más. Pero es que, además, ni se parece físicamente al personaje. De hecho, es curioso, pero el cartel de la peli me parece un poco retocado, para que el actor se parezca más al castigador de los cómics.


Quizás lo único bueno de la película sea la ambientación, que resulta bastante oscura y siniestra, aunque las escenas con el personaje trasladándose en su harley por las alcantarillas fueran de lo más ridículas.

Todo este cúmulo de despropósitos se debe a que nos encontramos ante una película de bajo presupuesto; una circunstancia por desgracia habitual en las primeras adaptaciones al cine de héroes Marvel. Y es que mientas los derechos de los personajes de la otra gran franquicia de comic book americano, la DC, con héroes como Batman o Superman, estaban en manos de una productora potente, la Warner, los de Marvel fueron en aquella época deambulando de aquí para allá. Baste solo recordar, en este sentido, la nefasta adaptación de los 4F dirigida por Roger Corman.

En definitiva, una peli mala, mala, que aunque he leído por ahí que muchos fans la consideran como la mejor adaptación del Castigador al cine, no le hace para nada los honores a uno de los personajes más carismáticos y con más seguidores de la Marvel; una situación que, lamentablemente, no se ha solucionado con los remakes de los últimos años.

Mi vecino Totoro - Animación desde otro punto de vista

To-to-ro Totoro, to-to-ro Totoro…(8)

Olvídate del año en que vives y del lugar en el que estas. Nos trasladamos al Japón de los años 50. Un país en el que aún quedan espacios naturales, campo sin corromper por el avance humano y altos árboles. La gente es amable, no pide nada a cambio, simplemente se ayuda y son cordiales, de hecho, son amigos. ¿Estas preparado? Pues vamos a conocer a “Mi vecino Totoro”.

Ésta película del año 88 nos lleva al mágico Japón. Y digo mágico, porque sin la magia ésta historia no podría contarse. Un profesor universitario se traslada a una casa en medio del campo (llena de Duendes del Polvo) junto con sus dos hijas, dos niñas que dejan volar su imaginación con las leyendas populares japonesas. A través de los ojos de Satsuki, la hija mayor, madura y más consciente de la dura realidad de su madre ingresada, y de Mei, una niña de 5 años que no para de reír, jugar y saltar durante la película.

Las pequeñas, alentadas por la anciana vecina y por su padre descubren que las leyendas no son leyendas, y que en el bosque que hay junto a su nueva casa vive el espíritu del bosque: Totoro, que no es ni mas ni menos que un conejo de por lo menos dos metros de altura que además de dormir mucho, vuela y se desplaza por el mundo con un Gatobús de ocho patas… ¡ahí es nada!

La unión de la visión inocente y mágica de las niñas hace de la historia una verdadera delicia. Además, la historia es divertida, con momentos graciosos protagonizados principalmente por Mei, que las lía pardas en algunos momentos. La estética está muy cuidada, con paisajes verdaderamente bonitos y escenas que a la vez de cómicas son enternecedoras.

Una película muy recomendable, aunque a mí, después de verla me ha dejado dos grandes problemas: Quiero que mi vecino sea un conejo gigante y rechoncho. Y quiero un Gatobus; bueno, más bien lo deseo encarecidamente.

¡Ah! Y prometo tener más cuidado limpiando el polvo de casa.

Nivel 13 - Descubrimientos Inesperados

Hoy en descubrimientos inesperados os presento Nivel 13, una película que no se como llego a mis manos, a partir de que recomendación, ni como fue que me entraron ganas de verla, pero la cuestión es que sin comerlo ni beberlo me dispuse a verla, sin saber (más bien recordar, porque de alguna manera me tuve que enterar de ello) de lo que me disponia a ver, sabia que algo de ciencia ficción era, pero nada más.

A grandes trazos y sin llegar, ni mucho menos, a la calidad de las películas que os voy a comentar, el film tiene una pequeña mezcla entre Matrix y Origen, sin parecerse en argumento ni nada por el estilo, pero la manera de jugar con realidades alternativas si que me parece una mezcla entre las 2, aunque cualquier coincidencia debe ser casualidad porque Nivel 13, como Matrix, es de 1999 así que no creo que se haya inspirado ni en ella ni en Origen, lógicamente.

La trama nos cuenta la historia de dos empresarios, Hannon Fuller y Douglas Hall ,que están trabajando en una simulación de una realidad alternativa basada en el año 1937 a partir de una máquina revolucionaria, hasta ahí todo bien, pero un dia Fuller aparece muerto en extrañas circunstancias, y Hall empieza una
búsqueda para averiguar que ha sucedido.

En definitiva, una película sorprendente, tanto por su trama como por su intriga que te mantienen en vilo hasta los instantes finales de la película, y aunque el reparto no sea demasiado conocido ni sea lo más destacado de la película (personalmente al único actor que he reconocido ha sido al "Recluta patoso" de la Chaqueta Metálica) me ha parecido una película bastante buena y muy recomendable para los que le guste la ciencia ficción y la intriga.

Robin Hood (Disney) - Animación desde otro punto de vista

“Robin Hood y Little John venían por el bosque riendo de las bromas que solían los dos decir…”

Así comienza la que es, probablemente, mi película Disney preferida. No puedo precisar cuantas veces la he visto, pero muuuuchas muchas. Y es que Robin Hood nos conquistó a mi hermano y a mi desde el primer minuto. La verdad es que nunca he llegado a comprender porqué ésta película no tiene la fama que otras muchas de la factoría, pero bueno, supongo que mi escasa objetividad en el asunto no ayuda…


La historia que nos narran en ésta ocasión es la del bandolero-héroe Robin Hood con animales que te caen bien, o los odias desde el primer minuto, ya que ésta es una película con créditos, en la que nuestros protagonistas son presentados como auténticas estrellas haciéndonos una mini-presentación de quienes son y qué son (si los buenos o los malos). Nuestro Robin es en ésta ocasión un zorro valiente, justo y simpático siempre acompañado por su amigo Little John, un enorme oso bonachón. Además, en cuanto a los personajes quisiera destacar que es una de las pocas películas en las que los personajes secundarios tienen una personalidad muy marcada, casi tanto como los protagonistas, despertando grandes sentimientos en el espectador.

Otro punto a tener en cuenta de ésta película son las dosis de humor. A pesar de que en Nottingham (lugar donde se desarrolla la película) están pasando grandes penurias y en ciertos momentos la película es triste y oscura, siempre hay un punto divertido que te hace sonreír. Y si no es un comentario divertido lo que te hace reír lo son las múltiples críticas, apodos, canciones o parodias que se hacen del malvado, retorcido, egoísta y envidioso Príncipe Juan.

Personalmente, como ya he dicho, me encanta, pero además creo que siendo como es una película de 1973, está más que lograda. Por supuesto que la animación no tiene la calidad del Rey León (tampoco la fama, desgraciadamente), sin embargo poco más le tiene que envidiar. La trama es amena, divertida, con escenas de acción, de amor (pero sin ser para nada empalagosas, de hecho en la mayoría de casos tienen cierto toque cómico) de tristeza…vamos, que nuestro Robin nos da un poco de todo. Además la banda sonora es encantadora, con canciones pegadizas, pero sin ser cansinas; algunas de ellas inolvidables para quienes nos hemos deleitado con ésta cinta (como por ejemplo la canción silbada del inicio).

Vamos, que no sé si colgar esto en “Películas que ya deberías haber visto”, en “Revisitando clásicos” o en una nueva sección que se llame: IMPRESCINDIBLES.

Héroes de papel - Batman, de Tim Burton

Iniciamos nueva sección, “Héroes de papel”, donde iremos analizando adaptaciones de personajes surgidos del noveno arte, ante el auténtico boom que está viviendo el genero en los últimos años, entre otras razones, por la crisis de ideas que caracteriza a la industria de Hollywood. Empezamos la sección con un verdadero peliculón, que en buena parte sentó las bases del género: Batman de Tim Burton (1989).



Ya desde el principio la película nos impacta, en la cabecera, con esos planos de unos muros extraños, alrededor de los cuales se va moviendo la cámara, al son de la magnifica música de Danny Elfman, para después desvelarse que, en realidad, se trata del símbolo del murciélago. La cosa sigue con la escena introductoria donde dos rateros de baja estopa se reparten el botín de un atraco, y comentan los rumores de un misterioso murciélago que, como no se podía ser de otra manera, aparece en escena, en un segundo plano, al son de la música. Sutil, pero impresionante. También se puede destacar, como no, el baile final, a ritmo de vals y que nos muestra, por un lado, al Joker, soltando chanzas y retrancas, mientras baila con una desesperada Vicki Vale, y, por el otro, a Batman “bailando” con los secuaces del Jocker. ¡Sublime! Pero mi escena preferida es, sin duda, la escena de la batnave, cuando Batman se eleva por encima de la ciudad, llevándose consigo los globos del Joker con el gas sonríes, llegando a atravesar las nubes y encajándose en el disco de la luna. La primera vez que vi la película, en su estreno, con apenas quince años, aluciné, y el resto de la gente también, porqué el cine estalló en un sonoro aplauso. Una imagen, sin duda, con un alto contenido simbólico.



Esta buena factura se la debemos, sin duda, al director de la cinta, Tim Burton, al que debe esa estética tan particular, con decorados como la Batcueva, i ese contraste entre el Gotham oscuro, reflejo de las oscuridad del propio Batman, y el colorismo que rodea a la figura del Joker.
También la calidad de la película responde al buen hacer de los actores: Michael Keaton, Jack Nicholson, Kim Basinger. A menudo se ha dicho que Jack Nicholson “se come” a Michael Keaton, y que le roba protagonismo. A mi me parece que esto, además de que era, cuando menos inevitable, no tiene porqué ser necesariamente malo. ¿Cuantas películas han pasado a ser celebres, precisamente, por sus villanos? También se ha dicho que Kim Basinguer hacer de “mujer florero”, pero a mi me parece que, además de que está guapísima, su trabajo está a la altura de lo que el guión requería.
A mi parecer, Michael Keaton da bastante el pego, especialmente como Bruce Wayne, aunque le da un carácter quizás demasiado introvertido, que deja de lado toda una faceta que caracteriza al personaje, la de playboy multimillonario, a la que ha dado mejor resolución Christian Bale. ¿Y que decir de Jack Nicholson? Para mi es y será siempre el mejor Joker, despiadado y cruel, a la vez que mordaz y satírico, aunque recientemente se haya valorado mucho el papel desempeñado por el malogrado Heath Ledger.
En definitiva, una gran película, que rescató al género de las producciones de serie B y bajo presupuesto en que se encontraba des de el primer Superman (con la salvedad, quizás, del segundo) y que, a diferencia de otras cintas, se mantiene muy bien a pesar de los ya más de veinte años. En este sentido, os recomiendo un revisionado, no os defraudará.

Amores Perros

Esta semana me han hecho criticar Amores Perros, película de la cual había oído pero que no tenía ni idea de cuál era su argumento, aunque la verdad, ya de inicio no acogía muchas esperanzas de que me fuera a gustar, pero he de decir que pese a no parecerme una obra maestra sí que me pareció una buena película, en gran parte porqué de las tres historias que cuenta, la primera me pareció más que buena.

Como ya he dejado caer la anterior frase, Amores Perros es una película coral (he descubierto hace poco que este tipo de películas son denominadas así) con tres historias diferentes que se entrecruzan únicamente en un punto, en el accidente que sufren Valeria y Octavio y en el que se encuentra casualmente cerca “El chivo”.

La primera trama nos cuenta la historia de Octavio, un chico que vive con su madre, su hermano y su cuñada y que encuentra una fuente de ingresos en el perro del que él se hace cargo, pese a que el verdadero dueño es su hermano, mediante las peleas ilegales.   De este hilo de la historia la verdad que me gustó todo, los personajes me parece que lo hacen perfectamente y sobretodo la historia tiene un punto de tensión y de acción que le faltan a las otras (sobre todo a la de Valeria) que hacen que la película a mi gusto suba de categoría.

El segundo hilo nos cuenta la historia de Daniel, un padre de familia que deja a su esposa por emprender una nueva vida con Valería, una modelo que ve rota su prometedora carrera profesional por el accidente de tráfico anteriormente mencionado, a partir de ese hecho se verá como se deteriora rápidamente la fugaz relación entre Daniel y Valeria.

La tercera historia es la de el Chivo, un vagabundo que vive rodeado de perros y que además es un asesino a sueldo, el cual mucho tiempo atrás dejó a su familia para poder tener una vida mejor, pero que se arrepiente del hecho durante toda la historia.

En definitiva,  una buena película, quizás un poco larga para mí gusto y de la que me sobraría sobretodo el hilo de Daniel y Valeria. Si toda la película me hubiera despertado el mismo interés que la historia de Octavio, posiblemente me hubiera parecido una obra maestra.

Puntuación 6,5

Rudu

Porque, efectivamente, la vida es muy perra.

Este es el primer trabajo de González Iñárritu y el que marca la estructura que será una constante en el cine de este autor, basada en un hilo argumental “desestructurado” y formada por un trío de historias entrelazadas por un hecho trágico.

En este caso será un accidente de tráfico lo que unirá por un momento los destinos de los tres protagonistas, sin que éstos establezcan entre ellos, en ningún momento, algún tipo de relación. Octavio es el que provoca el accidente, un chico de barrio, enamorado de su cuñada, de de forma casual mete a su perro en el circuito de las peleas y ahorra el dinero para poder escapar con la mujer de su hermano. Su coche colisiona con el de Valeria, una joven modelo que acaba de empezar una nueva vida y cuya carrera se ve truncada a partir de este momento. 

En el momento y el lugar del choque se encuentra también el Chivo, un “homeless” rodeado de perros, que intentaba perpetrar un asesinato y que en vez de eso corre a socorrer a las víctimas, encontrando entonces al perro moribundo de Octavio, del que se hará cargo y al cual intentará salvar la vida. Los perros son fundamentales en la trama y a través de ellos se tejerá la historia que unirá a los tres personajes.  

La estructura argumental no se puede calificar de original (Tarantino lo hizo antes), pero es un elemento esencial para entrelazar la trama, cosa que está hecha de forma magistral. Las tres historias muestran lo frágil que es el mundo en el que vivimos y lo fácilmente que puede cambiar el destino, por culpa de una decisión equivocada, o de una simple casualidad. 

Un apunte, en esta película se sufre más por los perros que por las personas. Las escenas de las peleas son durísimas y a mí personalmente, me dio más pena el pobre Richi que su dueña, por muy mal que lo pase la pobre chica.  

No creo que sea la mejor de González Iñárritu, pero que creo que es muy recomendable.

Nota: 7,2

Reichel

Revisitando clásicos- Dersu Uzala (El Cazador)

Como tengo un ánimo inasequible al desaliento, aquí estoy otra vez con la sección con menos audiencia de este blog. Me siento como La 2: soy para minorías, pero molo y sobrevivo.
Esta semana toca un clásico que tampoco lo es tanto por su edad (es del 75), como por su factura y su trascendencia en el mundo cinéfilo en general. Dersu Uzala (el cazador), es una coproducción ruso-japonesa (extraña mezcla, sí señor), dirigida por el celebérrimo Akira Kurosawa, que a priori parece ser un poco tostón, pero que me pareció de lo más educativa y trascendente.
Dersu es un viejo cazador de la taiga rusa (con muchos inviernos, como dice él) que habla de sí mismo en tercera persona y que un buen día se encuentra con un destacamento del ejército que se mueve por su terreno con objeto de cartografiar la zona. El capitán de la compañía, después de compartir una cena con él, le ofrece que sea su guía, dado su conocimiento del terreno, dando pie así al inicio de una sólida amistad entre ellos. En años posteriores el capitán volverá en expedición a otra zona de la taiga, donde volverá a encontrar a Dersu que los acompañará de nuevo en su andadura.
A través de Dersu conocemos la importancia del respeto a la naturaleza, su fuerza, su peligro y su belleza. Para él todo es “gente”, todo está animado y todo tiene su importancia, pero conoce bien el valor de las cosas que realmente importan, dándole valor sólo a aquello que necesita. En un momento los soldados le preguntan si sabe lo que es el Sol, a lo que él contesta: “Por supuesto, el sol es nuestro padre. Es gente muy importante, si él muere, todos morimos”. Ellos se ríen, pero al final todos acaban queriendo y respetando a Dersu, por su sabiduría y por su bondad.
La parte final resulta también muy instructiva,  y nos muestra a un anciano derrotado por los años que se siente inútil y desubicado fuera de su entorno, teniéndose que someter a unas reglas que no entiende y que le parecen estúpidas. La corona un final poético y amable que redondea una película muy recomendable.
Para ecologistas convencidos e idealistas irreductibles.

Enredados- Animación desde otro punto de vista

Déjate enredar por Enredados

La película número 50 de animación Disney... Muchas eran las expectativas que había levantado ésta película en cuanto a un proyecto ambicioso que devolviera a la compañía del ratón más famoso del mundo el esplendor que le ha acompañado durante tanto tiempo, pero que últimamente parece que se ha apagado.



Enredados nos trae una nueva visión del cuento de los hermanos Grimm: en algunos puntos algo suavizada (como con el hecho de que los padres no la “regalan”) pero muy actualizada, con una princesa que de ñoña no tiene ni un pelo, que se arma con una sartén para salir a enfrentarse al hostil mundo exterior y que no teme en luchar por lo que quiere; Un héroe que más bien es un vividor y un truhán (al menos aparentemente); Y una mala, que aunque no es tan despiadada como la del libro, sigue siendo más mala que la tiña.

Visualmente es fantástica, con un trabajo técnico estupendo. La trama es muy entretenida, y aunque, como en la mayoría de películas disney, llega un momento en que te hueles el final, sigue siendo amena todo el rato ya que los personajes son muy actuales y cercanos (nunca antes en disney se vio una princesa con crisis de bipolaridad tan divertidas).

Además, para los que hemos crecido con los clásicos disney, en ésta película nos encontramos con algunos guiños (no sé si intencionados o no) a anteriores películas: Gothel me recuerda muchísimo a la madrastra de blancanieves, Flynn tiene cierto aire a Aladdin…y lo voy a dejar ya que al final me enredo yo…

Películas que no recomendarías ni a tu peor enemigo - The Road

Bueno retomamos la sección, con una película del 2009 que es digna de no recomendar ni a nuestro peor enemigo y por consiguiente de entrar en esta sección, y esta no es otra que "The Road", protagonizada por Viggo Mortensen y dirigida por John Hillcoat.

La película se ambienta en un futuro apocalíptico en el que el planeta ha sido arrasado por algún tipo de catástrofe natural, alienigenas o otro tipo de desastre de dimensiones monstruosas, donde un padre y su hijo se dirigen hacia la costa (no me preguntéis el porqué a la costa y no a la montaña o porque no quedarse donde quiera que este) con la intención de encontrar un lugar seguro donde establecerse. Durante su camino hacia la costa, se encontrarán con otros supervivientes, a cada cual más singular, el que no esta 'tocao' del ala, se ha vuelto caníbal, con lo cual pocos compañeros de viaje pueden encontrar...

Ya que no la recomiendo, daré también mi opinión personal además de explicar la trama, para mi es una película muy plana, demasiado gris para mi gusto, sin cambios de ritmo, que no dice nada, con una historia que no tiene mucha tela que cortar, da la impresión que viendo una escena ya has visto toda la película y con algunos detalles un poco sorprendentes (como por ejemplo, y aquí viene un SPOILER, cuando encuentran la despensa de alimentos, que en lugar de quedarse a disfrutar y saciar el hambre el máximo tiempo posible, se van dejando allí la mayoría de provisiones, aunque claro si se quedarán ya no se llamaría la Carretera, se podría llamar La Despensa, tendría aún menos sentido la película).
En resumen, un absoluto tedio de casi 2 horas de duración que como bien reza el título de la sección no recomendaría ni a mi peor enemigo.

P.D.: Como siempre, voy al contrario que la crítica, que tildan a esta película no menos que de semi-obra maestra... Menos mal que tengo asumido que no entiendo de cine, si no me llevaría un palo tras otro.

Crítica de la semana: Fargo

Dime con quién andas y te diré si tu golpe tiene posibilidades de triunfar

Fargo es un thriller ambientado en la gélida Dakota cuya factura, no puedo decir menos que es excelente. Su argumento trata de un pobre hombre casado con la hija de un ricachón bastante poco afable, que en un alarde de arrojo (el único de su vida, diría) y escasa inteligencia, decide urdir una trama para secuestrar a su señora y sacarle a pasta a su suegro, pasta que al parecer, servirá para tapar las deudas contraídas, aparte de para abrir un negocio. En el susodicho secuestro decide contar con la ayuda de dos delincuentes comunes bastante chapuceros (uno de ellos excelentemente interpretado por Buscemi) que hacen que desde el primer momento se masque la tragedia.  Para acabar de darle disgustos al pobre hombre, cuando las cosas se complican se mete por medio una policía en avanzado estado de gestación, que parece más bien tontita, pero que demuestra tener una gran intuición.
Una de las cosas que me pareció de una gran inteligencia por parte de los Coen, es el hecho de que presentan la historia como si realmente hubiera ocurrido, lo cual en cierta manera, cambia tu predisposición ante la trama. Puede que parezca que ése detalle no es importante, pero pensar que la cosa va en serio le añade truculencia y morbo al tema y creo que aumenta el interés del espectador.
Más allá del argumento, creo que es destacable la fotografía. La desolación que transmiten esos paisajes de vastas planicies nevadas, se traslada en cierta manera a las vidas de sus protagonistas, que no dejan de ser un tanto tristes y patéticas a ratos (Jerry, su mujer, los secuestradores)
En cuanto a sus intérpretes, hay que decir que lo hacen bastante bien (especialmente Buscemi, en el papel de delincuente común de lengua larga y gatillo flojo). FrancesMc Dormad se llevó el Oscar a la mejor actriz por su papel de policía de pueblo, pero yo tampoco acabo de ver que sea tan espectacular. Me parece mucho más remarcable su mutación en “Quemar después de leer”. Lo que sí que me parece es que, puestos a llevarse el Oscar a mejor película de ése año, antes Fargo que el Paciente Inglés, que vale que era muy bonita, pero a mi me pareció bastante soporífera.
Nota:7,6

Reichel

Bueno, esta semana ha tocado criticar conjuntamente “Fargo”, de los Cohen. Teniendo en cuenta los precedentes con estos directores, no esperaba más de lo que realmente me pareció la película y eso que al estar basada en hechos reales (según se señalaba al principio) me daba cierta esperanzas de que la película tuviera un poco más de sentido que la única que había visto hasta entonces de los Cohen “Quemar después de leer”, y la verdad que la trama si que tenia más lógica, un secuestro orquestado y contratado por el marido de la secuestrada para sacarle los “cuartos” a su suegro ya que según deja entrever al principio de la película, el marido tiene mucha urgencia por conseguir ese dineral, aunque luego parece demostrado que urgencia no tenia más que la que el se auto impone.

Aunque no todo podía ser bueno, de hecho a mi parecer hay más partes no buenas que buenas, y pese a que la trama tenga sentido hay bastantes escenas bastante innecesarias, véase el rencuentro con el excompañero del colegio chiflado, las absurdas escenas en que sale el marido de la policía (por otro lado un personaje también innecesario, no hace nada para la película por lo cual merezca estar, bueno miento, hace unos huevos para el desayuno de su mujer que le hacen tener la fuerza de los campeones para resolver el caso)

Si nos centramos en los personajes, pues tampoco es que me gusten excesivamente, son todos un tanto raritos, desde la mujer un poco retraída hasta ese suegro multimillonario que pasa de su yerno como si fuera un vendedor de enciclopedias (cosa que por otra parte no es muy extraña) pasando por los excéntricos secuestradores y la futura mamá agente de la ley. Pero sin duda el que se lleva la palma es el que lo organiza todo,  ese patético perdedor obsesionado con el dinero y que pasa de todo lo demás, que organiza el secuestro de su esposa para pedirle el rescate a su suegro y todo le sale del revés, pero lo peor de todo es que el solo se autoinculpa en los hecho escapando de la policía sin venir a cuento, hay que ser torpe…

En términos generales la película no me gustó y no llamó mucho mi atención, aburriéndome incluso en algunas escenas que como ya he dicho no venían a cuento y me sobraban.

Por cierto, cada vez me voy a fiar menos de la crítica porque cuanto más arriba pone a una película menos me gusta a mi.

Puntuación 4,2

Rudu

The Mechanic - Critica Express

"Cortita y al pie" que dírian en argot futbolístico, así se podría definir la última película de Jason Staham.
Siendo del actor que es (no tengo nada en contra de Staham, ni mucho menos, pero queda patente que los suyo es la acción) el estilo esta bastante definido, tiros, golpes, carreras y poquito más, cosa que no quiere decir que no sea digna de ver y que no permita pasar un rato entretenido delante de la pantalla, y la verdad que esta película durante un rato consigue mi objetivo, que es el de que me entretengan, aunque no es mucho decir porque las películas de acción en general me suelen entretener, supongo que será por las explosiones y los tiros, aunque no creo que ninguna vaya estar entre mis películas favoritas por buen rato que me hagan pasar.

Si nos centramos en el argumento, la película trata sobre Arthur Bishop, un asesino a sueldo de élite con una habilidad innata para realizar su trabajo sin dejar rastro y en la mayoría de casos hacer que su asesinato parezca una muerte "natural" nada que ver con que él hubiera intervenido en la muerte. El asesinato de su mentor y amigo hace que algo cambie en su vida, sobretodo cuando Steve, el hijo de su mentor, le pide que a su vez este sea su mentor y de esa manera saciar su sed de venganza. A partir de entonces Bishop comienza a enseñar a Steve todas sus técnicas, pero este se desvía de sus enseñanzas y eso, sumado a los secretos y engaños llevarán a este dúo a un final lleno de expectación.

Como ya he dicho, la película entretiene, es cortita dura aproximadamente 85 minutos asi que no se hace pesada, aunque sobretodo el inicio es un poco flojo, ya que se introducen algunas escenas que no tienen acción y la verdad que tampoco aportan demasiado a la trama, le daría un aprobado raspadito..